電影《最遙遠的距離》官方部落格

 報導 / 林譽如、曾芷筠

 2007年，《最遙遠的距離》六月二十二日以台北電影節開幕片
 於中山堂首映，預售票五月底銷售一空，網路上不時出現求轉
 讓票之徵文，詢問上映日期的訊息更隨之湧出；九月，《最遙
 遠的距離》參展香港亞洲電影節「亞洲新導演」單元，一票難
 求的情況讓香港媒體對「林靖傑」這個有些陌生、卻曾以2005
 社會運動電影節《台北幾米》、2006性工作電影節《嘜相害》
 出現當地的名字相當好奇，不禁詢問「是否有緣上映？」；十
月，當《最遙遠的距離》席捲校園，於台大電影節放映受到學生們座無虛席的歡迎，高雄
電影節首映場同時延續了夏初北台灣的熱烈情況－「不僅是單場預售票最先被搶購一空的
影片，套票一百五十席也在十分鐘內全數兌換完畢」。

《最遙遠的距離》是林靖傑導演的首部劇情長片，獲得第六十四屆威尼斯影展「國際影評
人週最佳影片獎」、第九屆台北電影節「評審團特別獎」，被評為「秉持才情和社會良心，
遊走在多元風貌的創作世界中」的林靖傑早在十年前就已屢獲肯定，1996《青春紀實I－荒野
之狼》獲第十九屆金穗獎「最佳劇情短片」；1998《惡女列傳之「猜手槍」》獲第四十三屆
亞太影展「評審團特別獎」、第二屆台北電影節「商業推薦評估獎導演新人獎」；爾後2000
《我的綠島》、2004《台北幾米》、2006《嘜相害》等紀錄片、短片相繼出現於國內外大小
影展裡。

自大學時代，傳播系的林靖傑就對電影著迷，退伍後成為陳國富導演《只要為你活一天》助
理導演，並接下電視劇或三級片劇本創作等個案工作；在嘗試各類型劇本同時，林靖傑以
《焦躁的街道》、《傾斜之地》、《流浪者之歌》分別拿下聯合文學短篇小說首獎、時報小
說評審獎、時報散文首獎，開始了邊靠文學獎金貼補生活、邊踏入電影圈載浮載沉的不穩定
日子。2003年因拍片計畫告吹，加上摯友陳明的才離開人世，林靖傑一度對複雜的電影工作
感到身心俱疲。然而，始終相信「電影是個美好的藝術」的他，今年帶著三年多前為表演藝
術者陳明才量身訂作的《最遙遠的距離》回來，引起各方矚目。拍下台東陸海美景、錄下台
灣山林細語的《最遙遠的距離》以精神科醫師阿才、錄音師小湯、都會上班族小雲，逃離生
活三人的三段交錯出走旅程為主軸，描繪了現代人迷惘心靈與療癒過程。

詩人羅葉1994年曾描述正準備「進入影像生活」的文學青年江邊(林靖傑筆名)：「傑哥北上
初期的憨野，身上有勞工子弟的濃厚氣息；但在台北住了幾年，最生猛的質素逐漸流失，變
成漂泊掙扎的邊緣性格；所幸這沒使他淪落或世故，也許該感謝天生有一種窮得快樂的本
事」(文訊，110期)。從「快樂的本事」到「突圍的堅持」，在《最遙遠的距離》正式上映前
夕，放映周報邀請林靖傑導演細談他的創作歷程與理念初衷。
 

      不同於《猜手槍》、《台北幾米》、《嘜相害》等
      紀錄性質作品，《最遙遠的距離》劇本最初起源為
      何？創作路線有何轉變或延續？

      林：之前幾部片主題都是社會邊緣人，我喜歡社會底
      層生活題材，因為那是很真實的生命狀態，我自己的
     出生環境是中下階層，成長過程也都是在都市邊緣，
「邊緣」除了物理空間的邊緣，也意味著生命情境的邊緣狀態，所以如果從中產階級的角色
來看《最遙遠的距離》，可能會有別於之前的作品，但是他們的生命處境依然是在臨界點的
邊緣狀態，人在這樣的情況下，會被迫去逼視生命最真實的部份。不管是與身邊的人周旋、
甚至於下班後自己面對自己，我們都很難真實地表現自己、面對自己，這幾乎已經是一種慣
性。身為一個創作者，我很幸運地被迫去面對人生真實的一面，不管是小說或是電影，都是
如此，但是這樣的過程是痛苦的。不管是我的哪一部作品，都是貼近我的生活、我所感受到
的，我比較不想去嘗試不熟悉的題材，因為那樣只是在表現說故事的技巧，我想要的是去呈
現生命的真實，雖然每部影片只能呈現出生命真實的冰山一角，但正因為如此，我更要呈現
生命的真實，這是我對創作的態度。 

《最遙遠的距離》跟2000年作品《我的綠島》有何關聯？為何兩部片角色
名字小雲、阿才相同？

林：《我的綠島》是流離島影系列的紀錄片，總製片周美玲直接把綠島的部份丟給我，於是
我開始想綠島有什麼故事？綠島讓人自然地聯想到政治犯，但現在的綠島已經成為觀光地，
我近一步思考這個有趣的衝突。大學時有一位中文系的朋友－－小雲，我們很投緣，她告訴
我她父親是政治犯，被關了十五年，這個陰影一直跟著她的成長，她講到痛哭流涕，這件事
情給我很深的印象。那時我們都很年輕，但他身上卻有這麼悲痛的事情。我要拍片的時候想
到她，便邀她到綠島，去看那個剝奪十五年自由的地方，她父親當時已經六十歲了，但是她
常常覺得父親才四十五歲，因為中間有著十五年的空白，以政治犯女兒身分去那個地方，感
受一定非常複雜。

另外，陳明才一直是我的好朋友，也是《我的綠島》中紀錄的三個人之一。921地震時他到災
區去幫忙做心靈重建，一年後回來身心俱疲，他說他也得了憂鬱症，於是我邀他到綠島散散
心，順便讓他成為這個記錄片的拍攝對象之一。我記得在綠島拍攝那段期間，他每天一個人
在這個小島上像是放逐般地隨性的走路，那個禮拜剛好是他憂鬱症低落的週期，走在這個本
來是關政治犯的地方，每天拎著裝滿浮潛裝備的塑膠袋走來走去，有時拎著塑膠袋到海邊也
只是坐在岸邊看著人家浮潛。我就想：以藝術家的身分被丟到綠島，能有什麼樣的啟發？於
是我靈機一動，提議拍「行為藝術」－－穿潛水裝戴上蛙鏡，在陸地上游泳，來呈現一種生
命狀態、以及一個藝術家在綠島的狀態。陳明才聽了非常同意，我們覺得這樣的畫面、行
為、狀態都非常貼切地呈現他當時的處境：穿上潛水裝備應該是非常悠遊自在的，但是人生
沒這麼便宜。

在陸地上游泳，代表雖然一個人down到谷底，但還是要鼓起力氣試著前進，穿潛水裝在陸地
上前進非常困難，這種種的矛盾、衝突，還有吃力、不妥協，都是他當下非常真實的寫照。
這劇本是為他量身訂做的，這個部分成為《最遙遠的距離》最後的畫面。當時他在非主流已
經非常有名了，但是生活太困苦了，對一個快四十歲的演員來說，年紀是件很殘酷的事情，
我很急著讓社會大眾看到他這麼有才華的天才、讓他可以在主流的位置上發光發熱，所以我
針對他的特質、才華、和整個生命情境，寫下這個劇本讓他演。



       精神科醫師的角色意義是什麼？為何有許多「角色
       互換」的橋段？飾演阿才的賈孝國有什麼重要特質？

       林：陳明才那時已經約有十年的躁鬱症病史，「躁」
       跟「鬱」交替的起伏很大，在躁的週期非常有自信、
      非常亢奮；鬱的週期則是心情低落到谷底，連走出門
都不敢、更不敢跟人互動。陳明才十年來被這個病不斷的折磨，過程中接觸了不少心理諮
商師，非常熟悉他們那一套，有時甚至用同樣的方式玩回去。這是陳明才非常突出厲害的特
質：他很像精神科醫師，擅長跟人互動，我常說他有巫師的能力。做為一個劇場工作者，他
不滿足於正規表演，所以他不斷地嘗試打破生活與劇場的界線，用一些特別的方式跟人互
動，去穿透別人內在，把對方最真實、最深處的一部分撩撥出來，他喜歡戲劇治療，就是片
中的角色扮演，這部分觀眾通常會覺新鮮，一般人都會笑。

至於飾演阿才的賈孝國是戴立忍介紹的，戴立忍覺得自己可以演好「很壓抑的、或是有憂鬱
症的精神科醫師」，但是要他演起伏這麼大的角色，他覺得不太有把握。他認為賈孝國是台
灣最有爆發力的演員，他們以前在北藝大曾經合作過，戴立忍是導演、賈孝國是演員。賈孝
國這個名字我在十年前就知道了，他跟莫子儀合演了黃銘正導演的短片《野麻雀》，得過台
北電影節的首獎，他們倆在短片裡都演得不錯。可是後來就沒有聽到有關他的消息，直到戴
立忍再次提到他，我很好奇地四處打聽竟然都找不到，後來才知道他這幾年都在台東自我放
逐、尋找人生的意義，賈孝國是個很有才華的怪人，經常處在自我探尋的狀態，這跟阿才、
這個角色都蠻像的；比較不同的是，阿才熱愛跟人互動，在互動中撞擊出火花、借力使力，
賈孝國傾向切斷與人的互動，往內自我探索，這點他們處於兩個極端，我終於找到他來試
鏡，他很有爆發力。 

三位主角中，莫子儀和賈孝國兩位是劇場出身，這是巧合嗎？您如何指導他們做不同於
舞台表演的大螢幕表演？

林：沒有刻意要找劇場的人。阿才這個角色是為了陳明才量身訂做，他太特別、太精采，我
很難找到取代他的演員，阿才最厲害的一點是：見招拆招、隨機應變，即興演出到爐火純青
的地步，因為他熱愛打破任何框架。我想很少人有這樣的能力，演員能夠照本宣科詮釋好已
經不錯了，更何況豐富的創造力。2002年的劇本原來保留很多空間留給陳明才發揮，很多地
方並沒有寫死，我不斷地和他溝通，他也不斷把東西丟進來，彈性空間很大，跟檳榔西施那
場戲中的互動，是最典型的陳明才。很多即興的部分因為他不能演之後，只能定稿讓別人去
演，但是想要表現的東西，基本上那個時候就已經確定了。

指導演員的部份，通常劇場的動作要大一點，拍《最遙遠的距離》時我會盡量讓他們「去劇
場化」。賈孝國的部份比較難，不一定是因為劇場出身，他本身就是個怪人，平時說話常就
處於比較低沉的狀態，很難抓到他在想什麼、要表達什麼，反而在電影裡比較好，我盡量要
求他表現得貼近一般人。劇場身份是他的特色，也是我的挑戰，電影還是要求精準，雖然互
動的戲會比較累，但是他演獨角戲時，表現會特別好！片頭賈孝國當心理醫師與病人互動那
場戲，我覺得沒有幾個華人演員可以贏得了他，他在這部電影的表現不是那麼整齊，如果他
可以保持水準，一定會非常棒。

 

    如何設計錄音師小湯一角？為何選用莫子儀？

    林：我那時幫陳明才設計很多角色，其中一個是錄音
    師，後來想拍有躁鬱症的精神科醫師，就把另外一個
    劇本裡的錄音師角色放進來，陳明才仍然演精神科醫
    師，錄音師的角色我重新設計給別人，所以必須要有
    所區隔。試鏡時，莫子儀外型跟我想像的不一樣，小
湯一角其實以我另外一個好朋友湯湘竹為原型，他是錄音師、也是個很棒的紀錄片導演，外
型比較粗獷豪爽、是鐵錚錚的男子漢，但也很溫柔。在角色設定中，錄音師的失戀使得工作
跟生活都瓦解了，為了把自己拼湊起來，他拋下一切，帶著錄音設備出發到台灣各個角落，
錄下各式各樣的「福爾摩沙之音」，這是他跟前女友的約定，現在他一個人去完成，當作一
趟療傷之旅，這個角色的情感單純而深邃，對這個世間有著單純美好的想像。

劇本裡這個漢子因為感情失敗在工作現場出糗、坐在路邊痛哭失聲，湯湘竹當初考慮過接演
這個角色，他說假如我找不到演員，他可以來演，但他沒辦法哭，堅持他是個鐵錚錚的漢
子，我笑說是「俠骨柔情」吧！會選上莫子儀是因為我跟他講故事的時候，他的眼神專注、
清澈而深情，我透過他的眼睛看到裡面豐富的情感；他有著沉靜的氣質，這個特質非常吸引
人，也很符合一個錄音師的專注跟細膩，我覺得這點很棒。從一個演員的沉靜特質可以看出
他在演出的時候，能夠保持一種好的狀態。我覺得他的質很棒，試鏡之後也覺得他的表演有
一定的功力，屬於會把角色內化到心理，再表現出來的演員。他可以很自然的表演，而不只
是皮肉的表演而已。 

桂綸鎂所飾演的上班族小雲的角色如何設定？內心獨白很多，如何引導她發揮？似乎刻
意用大量特寫拍她？

林：這是桂綸鎂很大的挑戰。很多時候都是她自己一個人，跟自己的內心世界演對手戲，很
難。桂綸鎂飾演一個從外地到台北的上班族，一個人租房子，有著見不得光的愛情，外表非
常壓抑，內在卻有著騷動不安、細膩敏感的靈魂；此外我期待這個角色在日復一日單調的都
市生活中，即使這麼壓抑不堪，還是可以抓到生命中未知的希望，點燃內在的騷動，所以這
個挑戰很嚴苛。這確實是我活生生感受到一個人在大都市中的渺小狀態。我喜歡特寫，但是
特寫不能夠亂用。我也喜歡看人，每張臉孔都有不同的風情、傳達的情感也不同，這是一直
吸引我的。當然我很欣賞台灣新電影侯孝賢導演等人的風格美學，在長鏡頭中人很小，看不
清楚臉孔，呈現的是人在環境中的姿態，以及人跟環境的關係。欣賞歸欣賞，我自己不見得
會走那樣的路，我特別喜歡凝視人的臉孔，透過凝視人的臉孔去看到內在深處。

至於為什麼叫「小雲」，這跟《我的綠島》中的小雲有關，我和小雲現在都還是保持聯絡。
從外地來台北的人常常搬家，可是每次居住的地方都不屬於自己，每次搬家都是不一樣的狀
態。我想像著一個女孩子在大都會中，南港、內湖、木柵，每隔一段時間就換一個地方，最
後失去了聯絡。張愛玲好像有寫過這樣的句子：「在茫茫人海中，人像一滴水，滴到大海裡
不見了。」我曾經想要寫一本小說來描述這樣的生命情境，後來沒寫。寫這個劇本時，就把
這種感覺放到小雲身上，我覺得桂綸鎂有這樣的特質，她有種清新的氣質，在人群中感覺是
疏離的，她很細膩、敏感，可以感到她內在有著騷動、衝突、還有不安的靈魂，外表雖然看
起來平靜、有點壓力，內在卻很澎湃。後來發現她確實是這樣的人，她內在那種衝突、撞擊
的能量是很值得被開發！ 

錄音師湯湘竹是台灣重要的紀錄片導演，如何成為《最遙遠的距離》製片？

林：我放空了近三年，如同電影中那樣完全放空，自己住在陽明山竹子湖，刻意斷絕所有資
訊，報紙、電視、電腦、書－只要包含文字我都不碰，我太擅長那些東西，很容易掉回自己
慣性裡，我的生活只有種菜、發呆、在樹林裡面走走。回來是為了陳明才、當然也是該回來
了；可是回來時，過去累積的資源通通歸零了，我沒有自己的班底，也沒有比較有默契的工
作人員、合作夥伴，小湯知道我最需要這樣的一個製片，他相信我、信任我，願意跟我一起
並肩作戰，他知道導演的創作力絕對會被行政瑣事吞噬掉，所以他破天荒當了製片，我想是
第一次也是最後一次吧，他本來志不在此，他很真性情，跟人互動受人歡迎，但對於行政瑣
事與數字，他會比我更頭大。

小湯碰過阿才一、兩次，只知道到他不按牌理出牌、離經叛道的那一面。但是有一次小湯當
錄音師，我剛好帶阿才一起去探班，阿才很認真、非常深入地跟小湯討論他對《海有多深》
的感覺，這次相遇讓小湯看見阿才的另一面，小湯相當感動而且印象非常深刻。當他知道阿
才自殺時，他也難過，也知道這件事情對我的衝擊非常大，隔年我決定要拍，小湯很挺我，
他了解對一個朋友的承諾是很重要的事情。而對我來說，能有個信任的好朋友在身邊一起面
對難題，相挺的友誼是最珍貴的。拍片現場條件差，不少工作人員在艱難的過程中，被要求
做想對比較好的東西，他們當然有時候會覺得委屈、覺得導演強人所難，但是我們既然要
拍，就要有基本的品質，工作人員難免會心生動搖、或者有抱怨吐苦水，小湯在電影拍攝的
過程扮演穩住軍心、鼓勵大家繼續往下走的重要角色。

   以小雲追蹤錄音帶為主線，《最遙遠的距離》想要
   透過「聲音」表達什麼？「福爾摩沙之音」是與外
   界溝通的管道、還是自我保護的屏障？

   林：其實之前對聲音沒有那麼用心想過，只覺得「福
   爾摩沙之音」可以呈現台灣的各種樣貌，組合成台灣
   的印象。後來設計人物之間透過聲音的交流，特別是
小雲跟小湯從頭到尾都沒有碰面，透過聲音這個很抽象的東西，他們超越時空互動，兩個陌
生的靈魂聯繫在一起了，聲音讓他們的生命有了共振，雖然小湯並不知道小雲在追隨他，但
是小湯一直把錄音帶寄給他喜歡的人，希望他聽到這些錄音帶能夠有相同的感受，重點已經
不在於誰收到錄音帶，而是他這樣的一個意念已經出發、在執行了，這個世界上會有一個人
收到，並且跟他一起在這個聲音的聯繫之下，有了靈魂的共振，我覺得那是一件非常美好、
非常奇妙，同時有點難過的一件事情。 

「聲音」如何與本片主題「愛情」連結？為何將本片定位為「治療系愛情電影」？希望
觀眾從中獲得什麼？

林：我不會特別說這是「治療系愛情電影」，這是一個流行的名稱啦，不完全是愛情電影，
也不只是治療系電影。雖然我個人不會這樣定位，但《最遙遠的距離》確實是有治療效果，
也確實是從愛情出發進一步去追尋自我真正面貌的一部電影，透過這部電影我想講的是：透
過愛情去呈現生命中更深的東西。愛情最美好的部分是兩個相愛的人心有靈犀，所以即便小
湯跟小雲這兩個角色沒有碰到，但是小雲已經透過聲音，對這個不斷寄來錄音帶的男子產生
了心有靈犀的相通感，愛情已經悄悄發生。我希望觀眾可以在比較沉靜的情況下去看這部電
影，也許會發現這是一部在講自己內心深處故事的電影，看的同時可能不斷地自我投射，因
為你可能也經歷過這些，這部片幫你讓那些內心深處的故事浮現出來，也許和這部電影有些
對話，也許跟自己埋藏在內心深處的很多東西重新開啟對話。

   

   拍攝地點同樣在台東，與《單車上路》、《練習
   曲》等台灣公路電影相比，《最遙遠的距離》的特
   色不同之處為何？

   林：大學時開始喜歡上公路電影，溫德斯早期幾部公
   路電影我都非常喜歡，例如《公路之王》，它是徹頭
   徹尾的公路電影。我是南部人，大學才上台北，回家
必須搭四、五個鐘頭的車，也曾經一個人騎摩托車回高雄，沿途經過一些以前沒有去過的小
鎮，那種感覺非常美好，有點像公路電影。當你的身心都在漂泊，同時外在環境不斷地給你
新鮮的感受、跟你對話，旅程就不只是身體的旅程，也是一個心靈的旅程；我覺得每個人內
心深處都有一條抽象的公路，等著你去踏上，這條公路時隱時顯，當你遇到困境，那條公路
就會浮現，召喚著你。踏上這條公路，你就出發了，那是一趟追尋自我之旅。公路電影有這
樣的特色，他透過身體的旅程，讓你的心靈不斷地探索。在這部電影中，這三個碰到困境的
人從都市出走，走向東台灣讓人身心沉靜安定的好山好水、走向一望無際的公路，再慢慢進
入內在的旅程，更重要的是內在的旅程能走得多遠。這部電影最想呈現的是這個部份。

請推薦週報讀者《最遙遠的距離》非看不可的理由。

林：應該沒有任何理由要人家非看不可(笑)。但是，我覺得假如觀眾有機會去看《最遙遠的距
離》，我期待大螢幕正在上演的電影也是觀眾自己內心深處上演的故事，它會像一面鏡子映
照出你的生命，你從中獲得感動，被了解或者抒發，並且讓你有機會跟離席很久的自我對
話，我相信《最遙遠的距離》是每個觀眾內心都在上演的一部電影。



文章出處：放映週報